?

Log in

Каждый человек имеет право жить так, как хочет, если уважает права других. Д. Боуз

Дорогие мои друзья! Вот наконец на 3 году жизни моего бложика решила написать верхний пост. О чем мой блог? О ЖЖизни. А из чего состоит жизнь? Из событий которые мы создаем сами, которые происходят вокруг нас и которыми хочется поделиться с друзьями!

В жизни достаточно негатива, поэтому здесь хочу его избегать. Приветствуется хорошее настроение и улыбки! В моем журнале категорически нельзя оскорблять моих друзей, комментарии с матом удаляю, а хозяина в бан .

Количество френдов увеличивается и я просто катастрофически не могу запомнить всех! Если хотите, чтобы я вас запомнила-чаще наведывайтесь! И давайте уже наконец знакомиться. Пожалуйста, напишите пару строк о себе, если покажете свое фото, будет совсем здорово!
О себе; Меня зовут Лиля, обращаться лучше на "ты".


В детстве мечтала стать укротительницей тигров, но Запашные опередили:) и поэтому дрессирую кота, некоторые успехи уже есть! Люблю и много фотографирую, учусь рисовать, люблю позитив и улыбки! И очень люблю людей!
Выгляжу где то так:))


Read more...Collapse )
Не забываем задружиться-отписаться!

0_a89dd_b6e67c49_XL_jpg
И вот вам, моя Рында!

Посмотреть на Яндекс.Фотках

Пиши, друг, пиши! И добавляемся в сообщество желтухи)) http://pressyellow.livejournal.com/
По всем вопросом рекламы в моем журнале пиши http://dali88.livejournal.com/379016.html всегда открыта для новых предложений!)
promo dali88 february 20, 11:50 48
Buy for 40 tokens
WELKOME!!! Блогеры бойцы невидимого фронта, а еще шестирукие сем.. Для меня всегда была загадка , как они все успевают? И посты писать и коментить и СК растет и дети. У меня прям завfлы сплошные( Но я мои, дорогие, всегда захожу взаимно, уж если совсем сил нет не напишу, но посеoалку…

Опять о лете




[Spoiler (click to open)]Оля olga_fink конкурс устроила "Летнее настроение", но разве мимо такого пройдешь?! Вот и я не прошла мимо. Всем кому понравилась моя фотография http://olga-fink.livejournal.com/1310184.html?thread=64511976#t64511976 ставим +1, ну и конечно сами участвуем!!



Выставка продолжается



[Spoiler (click to open)]Выставку мою в ЦДХ продлили до 9 августа! Много уже друзей пришло поддержать меня. Так много, что не успеваю общаться с покупателями и не одной работы пока не продала( Спасибо друзьям-блогерам которые приходили ко мне. Ну и кто еще собирается посетить меня на выставке-звоните встречу.








.


[Spoiler (click to open)]Разносторонностью своих творческих исканий М.К. Чюрленис может сравниться с великими мастерами эпохи Возрождения. Творческий путь Чюрлениса-композитора, продолжавшийся всего десять лет, принес бесценные плоды: автор создал около четырех сот музыкальных произведений, среди которых две крупные симфонические поэмы, увертюра, кантата для хора и оркестра, две сонаты и несколько циклов вариаций для фортепиано, струнного квартета, произведения для хора. В то же время, лишь за шесть лет активной творческой деятельности, Чюрленис-художник написал свыше трех сотен картин, создал немало работ графики, а кроме того писал произведения литературы и поэзии, проявлял себя в публицистике, экпериментировал в сфере художественной фотографии. Записи Чюрлениса времен учебы в Варшавском музыкальном институте гласят о его увлечениях геологией и историей, химией и геометрией, физикой и астрономией, астрологией и древней мифологией, древними и современными языками, современной и классической философией, религиями востока и запада.

С другой стороны, активное участие Чюрлениса в движении Литовского национального возрождения и идеалистическое самопожертвование во имя идеалов искусства, представляет его типичным творцом эпохи Романтизма. В период проживания в Вильнюсе, длившийся лишь два года, Чюрленис руководил созданием общества творцов искусства Литвы, активно участвовал в организации трех первых выставок литовских художников, на которых экспонировал многие свои картины. Он также организовал и руководил литовскими хорами в Варшаве, Вильнюсе и Петербурге, был первым профессиональным литовским композитором, также глубоко интересовавшимся и литовскими народными песнями – не только гармонизировал их, использовал мелодику в своих оригинальных произведениях, но и собирал их, анализировал в своих публицистический статьях. Точнее всего его страстное отношение к жизни и творчеству характеризует отказ Чюрлениса от предложения преподавать в Варшавском музыкальном институте и в письме брату Повиласу высказанное решение «все свои настоящие и будущие работы посвятить Литве».

Взглянув на произведения Чюрлениса, можно заметить, что в его живописи чувствуется влияние символистов и art noveau, музыкальный язык стремится расширить возможности хроматической и гармонической систем мажора-минора, а творчество вцелом объединено четкой синестетической тенденцией. Все упомянутые черты представляют Чюрлениса типичным творцом центральной Европы рубежа девятнадцатого-двадцатого веков.

И все же картины зрелого Чюрлениса, пластика которых субтильно основана на музыкальных формах и логике мотивного развития музыки, а также поздние сочинения для фортепиано, в которых серийная техника переплетается с остинатной логикой, мелодические и ритмические модули с образованиями гармонических комплексов, в истории всей европейской культуры являются уникальными образцами синтеза музыки и живописи.


Про счастье


[Spoiler (click to open)]
Счастье лишним не бывает


В транспорте



[Spoiler (click to open)]Еду в метро никого не трогаю-глазюкаю по сторонам, а молодой человек справа вдруг предлогает мне таблетку-наушник. Видимо очень с кем то надо было поделиться интересной песней. Я отказалась поблагодарив. А какие у вас интересные предложения были в транспорте?(пошли ко мне домой-не считаются)

Лето прийди



[Spoiler (click to open)]Ох и лето у нас в этом году( В пору загорать в одежде. а не купальниках. А так хочется тепла, солнышка и теплой водички в которой можно побултыхаться хоть часок!! Лето вернись!

На удачу


Всем кто далеко от Москвы, а на экзамен идти надо!

Read more...Collapse ).


Самая известная картина Архипа Ивановича Куинджи Лунная ночь на Днепре 1880г размер холста 144 см на 105 см.

[Spoiler (click to open)]
Жизнь, творчество да и сама личность Архипа Ивановича Куинджи полна загадок. Многие называли его простым философом и гуманистом. Другие в свою очередь говорили, что он был активистом и общественным деятелем. А многие вообще утверждали, что в жилах его течет бунтарская кровь. Да и что хитрее его найти нельзя, тоже говорили. Также про него говорили: Куинджи — защитник художников и художественного образования, кумир молодежи и ненавистник чиновников, человек с чистым детским сердцем и при этом осторожный политик. Какие противоречивые характеристики! А многим может показаться, что Куинджи похож на богатыря из детских сказок. Современники говорили, что Куинджи подвластен свет, что он художник света. Его ученики обожествляли его. А нам, его потомкам, остались лишь его чудесные картины — удивительное творческое наследие великого мастера.

Архип Иванович Куинджи родился в январе 1842 года в предместье Мариуполя в семье сапожника-грека с фамилией Куюнджи, что по-турецки означает «золотых дел мастер». Возможно, его предки когда-то были ювелирами.В три года мальчик осиротел. Вместе с братьями и сестрами Архип был воспитан родственниками Ивана Христофоровича. Сначала он обучался у «вольного» учителя, а потом был отдан в городскую школу, где проявил первые способности к рисованию, а вот по основным предметам едва успевал.

Когда Архипу исполнилось 10 лет, он начал самостоятельную жизнь. Работал сначала подсобным рабочим на строительстве католического храма в Мариуполе, затем там же вел учет приема кирпичей. После этого Куинджи перешел работать к состоятельному хлеботорговцу Аморетти. Архипу необходимо было прислуживать за столом, чистить сапоги и платье. Но мальчика чаще можно было увидеть за рисованием картин, чем за требуемой работой. Хозяин всегда ругался, но рисунки Архипа любил.

В 1855 году Куинджи перебрался в Феодосию, чтобы учиться живописи у Ивана Константиновича Айвазовского. Есть сведения, что определенное время он проработал в мастерской мариниста, но не столько учился азам мастерства, сколь выполнял различные подсобные работы. Тем не менее, Академия художеств учла его обучение у известного мастера, и после появления на академической выставке его картины «Татарская сакля в Крыму» выдала любопытный документ «ученику школы профессора Айвазовского Архипу Куинджи в том, что он за хорошие познания в живописи пейзажей советом Академии в собрании от 15 сентября сего 1868-го года признан достойным звания свободного художника, которое он получит, когда выдержит словесный экзамен».А это означало признание мастерства художника, который, по большому счету, был самоучкой, так как систематического художественного образования не получил.

Все его попытки поступить в Академию были безуспешными, но теперь ему представилась возможность стать вольнослушателем. Формально Академию он закончил в 1872-м году, когда за картину «Осенняя распутица» получил звание классного художника.Об этом периоде его жизни известно очень немного. Воспоминаний он не оставил, письма писать не любил. Отрывочные сведения, больше почерпнутые из воспоминаний и писем его знакомых и друзей, свидетельствуют, что на жизнь он зарабатывал трудом ретушера в фотоателье, стараясь выкраивать время для занятий живописью.

Картины, написанные им в это время, были во многом подражательными, в них явно ощущалось влияние Айвазовского. Но, как свидетельствовали современники, они были выдержаны в духе академических канонов и отличались тщательностью исполнения.Постепенно картины художника стали продаваться. Он смог бросить ретушь и всецело посвятить себя живописи. Появилась возможность съездить за границу, «поучиться мастерству» у старых мастеров. Особенно привлекал Куинджи Мюнхен с его Пинакотекой, но он также побывал в художественных центрах Берлина, Кельна, Лондона, Парижа, Вены.

Стоит отметить, что французское искусство оставило его равнодушным, Куинджи посчитал его мишурным и салонным.Заграничная поездка много дала молодому живописцу. Он как будто новыми глазами увидел родную русскую природу, ее обаяние, суровую красоту и лиричность. Одной из лучших картин этого периода его творчества стало полотно «На острове Валаам». Появление этой картины на академической выставке было встречено с интересом, а Репин, увидев ее, информировал Третьякова: «Всем она ужасно нравится, и еще не дальше как сегодня заходил ко мне Крамской — он от нее в восторге». Эта работа стала первым произведением художника, которое приобрел для своей коллекции Третьяков.

В начале 70-х годов творчество Куинджи «вышло» за пределы России. В 1873 году он показал в Вене свою картину «На острове Валаам». А в 1874-м на международной выставке в Лондоне картина «Снег» была удостоена бронзовой медали. В этот год он впервые принял участие в выставке товарищества передвижников, показав «Забытую деревню». На следующий год на выставке товарищества он представил две работы: «Степь» и «Чумацкий тракт».

В 1876-м году на передвижной выставке зрители увидели знаменитую «Украинскую ночь», ставшую переломным этапом в его творчестве.Успех картины был ошеломляющим. Газеты писали, что этот пейзаж совершенно убивает все другие находящиеся на выставке пейзажи. И это действительно было так — настолько необычной, и, в то же время, до крайности правдивой казалась куинджиевская картина с ее темно-синим глубочайшим небом, стройными тополями, лунным светом на стенах хат, величаво-недвижным покоем, тишиной южной ночи и одиноким огоньком, теплящимся в окошке. Глаз истинного художника тем и отличен, что замечает рассеянное повсюду прекрасное и открывает его нашему глазу. И теперь, любуясь где-нибудь над рекой зрелищем лунной ночи или закатом, горящим между черными стволами деревьев, не говорим ли мы: «Будто на картине Куинджи»?

Для современников художника его картины были радостным откровением. Они отвечали страстному желанию новизны, каким было охвачено тогда общество.«Украинская ночь» показала, что в русской живописи появился пейзажист-романтик, которого с этого времени в публикациях стали называть поэтом пейзажа и кудесником южной ночи. Через год эту картину, а также «На острове Валаам» и «Чумацкий тракт» увидели посетители всемирной выставки в Париже.В 1877-м году Куинджи стал членом товарищества передвижников, но пробыл в нем всего несколько лет. Последней работой мастера, показанной на передвижной выставке, стала знаменитая «Березовая роща», выставленная в 1879 году.

Выйдя из товарищества, Куинджи устроил выставку одной картины. Успех «Лунной ночи на Днепре» был небывалый. Через год снова выставка одной картины — «Березовой рощи». И опять оглушительный успех. В следующем году прошла последняя публичная выставка работ мастера, зрители увидели всего три работы. К двум уже прославившимся полотнам добавилась картина «Днепр утром». Больше Куинджи свои работы на суд публики не выставлял, а до начала нового века даже не показывал их собратьям по творчеству.С конца 80-х годов Куинджи стал активно сотрудничать с Академией художеств, подключившись вместе с Шишкиным к подготовке молодых пейзажистов. Его утвердили в звании профессора, доверили возглавить пейзажную мастерскую.

Ученики Архипа Ивановича вскоре стали замечательными художниками, это Богаевский, Крымов, Пурвит, Рерих, Рылов, Столица. Сегодня их работы можно увидеть во многих музеях и галереях мира.В последние годы жизни Куинджи активно занялся благотворительностью. Он неоднократно выделял очень значительные суммы денег на поддержку нуждающихся студентов академии, в премиальные фонды выставок, а в 1909-м году пожертвовал полумиллионный капитал для названного его именем общества художников, основным направлением деятельности которого стала поддержка талантливых живописцев.

Умер Архип Куинджи в Петербурге 11 июля 1910-го года от неизлечимой болезни сердца, страдая от невыносимых болей.Его друг Яков Данилович Минченков писал о последних днях мастера: «Я любовался его могучей фигурой, его мощным духом, его гордостью... Но пришла пора, и могучего Архипа Ивановича не стало видно в обществе. Он слег, сердце плохо.— Посмотрите, — показывал Куинджи на свои руки, — какие мускулы, какая грудь, я еще богатырь, а нет сердца. Плохо.Страдал глубоко — и физически и душевно...»К сожалению, большинство картин художника значительно потемнели, почернели и теперь нам уже сложно представить себе их былое очарование. Особенно это касается знаменитых картин «Лунная ночь на Днепре», «Украинская ночь».Куинджи был не только большим художником, но и таким же большим Человеком — с большой буквы. В его лице Россия имела и утратила одного из лучших своих сынов.


На рынке


[Spoiler (click to open)]
Есть у меня работа которую я еще вам не показывала. Вот такой сюжетик я подсмотрела в Малоярославце-хотя это мы видим в любом дворе

Tags:

Конкурс от Kit Fort завершен



[Spoiler (click to open)]Вот и завершен конкурс от Kit Fort ! ТАДАДАДАМ!! И генератор случайных чисел выбрал dantan. Мои поздравления! Жду в личку телефон и адрес.







[Spoiler (click to open)]Картины одного из самых известных, причем на мировом уровне, русских художников – М. Врубеля, притягивают и завораживают. В первую очередь, это его Демоны… Невозможно пройти мимо них, не заглянув в глаза этим «плохим парням». Наверное, с них киношники списывали образы самых известных циников, души которых не каждая женщина может отогреть, но желает всякая.
Интересна, в первую очередь, история создания картины «Демон сидящий». Многие связывают ее с поэмой М. Ю. Лермонтова «Демон» и они правы. М. Врубель нарисовал около 30 иллюстраций к юбилейному изданию сочинений поэта, среди которых – тот самый Демон. Сейчас эта картина находится в Третьяковской галерее, будоражит мысли не одного поколения людей.
На фоне багрового неба сидит юноша, смотрящий вдаль. В его глазах – боль, грусть, мука, удивление, но не раскаяние. Когда-то давно он был изгнан из рая и скитался по земле. Горы Кавказа, места, где он сейчас, окружают Демона своим безмолвием. Скиталец одинок, а все его деяния, ужасные и аморальные, навсегда останутся с ним – Всевышний не дает ему забыть о них, «да и не взял бы он забвенья».
Первая параллель, которая приходит в голову всем, кто хоть однажды видел «Демона сидящего» - трагедия Эсхила «Прометей прикованный» - изображенный на картине молодой человек кажется несвободным в собственном теле и жаждет выбраться из него, да вот только не знает как.
Вторая ассоциация – это цвет одежды врубелевского персонажа. Если вы вспомните картины и иконы, которые изображали Бога, Иисуса и Деву Марию, то обратите внимание на то, что в их одеждах преобладают синие цвета или они изображены на фоне голубого неба. Одеяние Демона, на картине, – насыщенного синего цвета, который еще называют цветом «марокканской ночи». Не хотел ли Врубель сказать то, чего не смог сказать Лермонтов, а именно, что Демон все-таки заслужит прощение и вернется на небеса?
Еще одна параллель – поза персонажа на картине – он сидит. Во все времена именно в такой позе сидел человек, которого изображали задумчивым, печальным и грустным. Позже «позу демона» стали использовать и другие художники, ведь она передает скорбь, всеохватывающую и непреодолимую. Руки его сомкнуты «в замок» - психологи говорят, что так ведут себя замкнутые люди или те, кому есть что скрывать. Эти конечности у Демона не подняты, не уперты в бока, они просто безвольно опущены – он устал от скитаний. Четко прописывает художник развитую мускулатуру молодого человека, его взгляд, развевающиеся черные волосы.
Примечательно, что ясно прорисована сама фигура Демона и цветотени вечернего неба – от фиолетового до пурпурного, с вкраплениями золотого солнца, освещающего горизонт, на заднем плане. Остальная композиция картины имеет некий диссонанс – мазки грубые и расплывчатые, мозаичные и плоские.
Цветы, изображенные на картине, чем-то похожи на кристаллы, в них нет жизни. Многие критики говорят, что это – мертвые анемоны.
Если посмотреть на «Демона сидящего» с дальнего расстояния, то возникает ощущение, что это не картина, а витраж или панно. Для достижения такого эффекта художник работал мастихином, кропотливо подчищая его ножом.
В цветовой гамме картины преобладают темные тона. Небо кровавого цвета, причем лишь оно одно имеет плавные переходы. Все остальные границы – четкие, конкретизированные. Ряд цветов «черный – красный - голубой» говорит о некой опасности, ведь само слово «демон» заставляет настораживаться многих. Демонов считают беспощадными, а врубелевский герой изображен светлыми оттенками пастели с подчеркнуто темными линиями, его одежды насыщенного оттенка, – так художник демонстрирует двойственность героя.
Золотое солнце, белые оттенки цветов, красное небо, оранжевые блики заката должны настраивать на позитивный лад, но они только усугубляют общее впечатление. Создается ощущение некой грубой силы, которая вторглась в хрупкий мир природы.
Размеры холста, на котором изображен Демон, нестандартны для того времени – картина продолговатая, неудобная и тесная. На самом деле, это один из художественных приемов Врубеля – все должно подчеркивать внешнюю и внутреннюю скованность героя, и передавать то самое лермонтовское «ни день, ни ночь, ни мрак, ни свет».
Поражает, насколько сильно влияние творчества Лермонтова на М. Врубеля. У поэта демон – не зло в чистом виде, он способен наслаждаться красотой природы Кавказа и чувствовать скорбь Тамары, утешать ее и по-демонически убить поцелуем. Лермонтовский герой – скорее бунтарь, чем порождение мрака и ада, стремящееся уничтожить все живое на своем пути. То же самое говорил о своем Демоне Врубель. Его, по мнению живописца, напрасно не разграничивают с чертом и сатаной, не углубляются в происхождение названия. Греческим синонимом к слову «черт» является «рогатый», а «дьявол» – означает «клеветник». Демоном жители Эллады называли душу, которая мечется в поисках смысла жизни, не в состоянии усмирить те страсти, которые кипят в его душе. На свои вопросы он не находит ответов не на земле, не на небе.
Что примечательно, многие из критиков литературы и искусства конца 19 – начала 20 века говорили о «непонимании Лермонтова» художником. Этому немало способствовало ухудшение здоровья и психики Врубеля. Последнее породило легенду о человеке искусства, что продал душу сатане.
…После того, как открылась выставка, приуроченная к юбилею творчества М. Лермонтова, М. Врубель закрылся в своей мастерской и продолжал работать над картинами о демонах. Живописец утверждал, что Демон изменялся не только под мазками его кисти, но и являлся ему вживую. Что ж, художник боролся с падшим и изгнанным ангелом, и неизвестно, кто вышел из этой войны победителем.
Творчество Врубеля загадочно и мистично. Если вы еще не удостоверились в этом – посетите Третьяковку или посмотрите на его демонов, изображений которых полно в Сети. Одно можно сказать без сомнения – демоны Врубеля терзают души и многих художников современности.



ВЫСТАВКА




[Spoiler (click to open)]Еще вчера я собирала выставку.


Вот такой аппарат выравнивает развеску.


А уже сегодня ко мне на выставку пришла Люба luvida.


Хоть она и моя соседка-живем через дорогу, но видимся второй раз. Приятно, когда тебя приходят поддержать в столь ответственный для тебя момент. Еще раз спасибо, Люба!!







[Spoiler (click to open)]Малевич Казимир Северинович родился 11 (23) февраля в 1878 году в сельской местности города Киева. Родители Малевича были коренными поляками. Отец Казимира, Северин Антонович Малевич, работал управляющим сахароваренного завода, владельцем которого был один из известных на то время предприниматель Терещенко. Мама Казимира, Людвига Александровна, была просто героической женщиной, она родила 14 детей. К сожалению, только 9 смогли войти в самостоятельную жизнь. Каземир Малевич был самым старшим: у него было 4 брата и 4 сестры.

В 15 лет У Казимира появился первый набор красок, который подарила ему мама. Она была творческой женщиной: вязала, вышивала.
Из-за работы отца Малевичам приходилось часто переезжать с места на место. Казимир поэтому учился в разных местах, везде по чуть-чуть. Закончил агрономическое училище (5 классов) в селе Пархомовка, немного поучился в Киевской рисовальной школе Н.И.Мурашко.

В 1896 году семья Малевичей снова переезжает и останавливается в Курске. Там же, в 1899 году Малевич со своим братом Мечиславом женятся на сестрах Зглейц (Казимира и Мария). Казимира в 1901 году родила Малевичу сына Анатолия, а в 1905 году дочь Галину.

Чтобы расти семью, нужны были деньги, и Малевич устраивается работать в Управлении Курско-Московской железной дороги. Тем не менее про художество он не забывает. Совместно с другом Львом Квачевстким и другими единомышленниками Малевич организовывает художественный кружок в Курске. Больший упор делался на работу с натуры. Все шло хорошо, но для Малевича все эти процессы были слишком стандарты, как и во всех других школах. Ему захотелось чего-то большего. Казимир начал задумываться о поездке в Москву. Начал он с того, что подал заявку на обучение в Московское училище живописи, но его не зачислили. Тогда в 1905 году он приехал в Москву и стал жить в Лефорто в художественной коммуне. Но деньги быстро кончились и ему пришлось вернуться обратно в Курск в 1906 году, идти работать снова на те же должности. Летом Малевич попытался снова поступить в Московское училище, его снова постигла неудача. В 1907 году уже семья Казимиры и Казимира Малевича перебралась в Москву, где была предпринята третья попытка поступить в училище, но и она не увенчалась успехом.
В этот период у Малевича появляются уже работы, преимущественно в стиле ипрессионизма и неоимпрессионизма. Это работы "Церковь", "Весенний пейзаж". Это ранние работы, где еще много нюансов, они тяжелы для восприятия. Но вот работы "Девушка без службы", "Бульвар", "Цветочница" и "На бульваре" выполненны уже в другом стиле и написаны непосредственно с натуры происходящих действий.
Поскольку поступить в Московское училище Малевичу так и не удалось, он в 1905 году пошел учиться к Рербергу Ивану Федоровичу. В Москве он был достаточно известной фигурой в художественном обществе. В период с 1907 по 1910 годы Малевич регулярно выставлял свои картины на выставках Товарищества.

В период обучения у Рорберга Малевич познакомился с Клюнковым Иваном Васильевичем, более известным под прозвищем Клюн. Они стали близкими друзьями на столько, что Малевич переехал жить с семьей в дом Клюнковых.

Малевич пробует себя в религиозной живописи. ("Плащаница"). Так же вместе с Клюном они работают над Эскизами фресковой живописи в 1907 году. К 1909 году Малевич успевает развестись и снова жениться на Софье Михайловне Рафалович, детской писательнице. Дом ее отца в Немчиновке для писателя с того времени стал самым дорогим местом.

В 1911 году Малевич много выставлялся. Кроме московских выставок он участвовал и в Петурбурге на выставке "Союз молодежи". На московской выставке "Ослиный хвост" в 1912 Малевич выставил около 20 своих работ. Работы поражали своей экспрессивностью, яркостью красок. Композиционно и даже анатомически образы и сами картины были совершенно безумны. Но Малевич создавал свои законы и не собирался от них отступать. Затем была у него серия работ на тему крестьянства, выполненная в собственно придуманной техники неопримитивизма.

Работы Малевича начинают все больше напоминать футуристическую живопись, которая получила название "Кубофутуризм" или позднее "кубизм".
В 1912 году выходит его картина "Точильщик (Принцип мелькания)", которая стала классическим примером кубофутуризма, Русского конечно же. В этом же стиле Малевич писал и портреты (Портрет Клюна,портрет Михаила Матюшкина). Малевич в 1912 году знакомится с Михаилом Васильевичем Матюшиным, большим человекаом в искусстве. В послдествии это знакомство перерастет в большую дружбу, а так же она повлияла на творчество самого Малевича.
В 1913 году Малевич работает над декорациями к футуристическому спектаклю-опере "Победа над Солнцем". В этом же году он вступает в "Союз молодежи".
Не смотря на активную деятельность Малевича, нехватка денег была главным мешающим фактором. Иногда даже на материалы для рисования не хватало.
В один момент художник открывает для себя новые грани живописи. Таким камнем предкновения стала картина "Корова и скрипка". Через нее Малевич просто разорвал былые принципы устоявшегося искусства. Он даже написал на обоорте картины такие слова: "Алогическое сопоставление двух форм - “корова и скрипка” - как момент борьбы с логизмом, естественностью, мещанским смыслом и предрассудками. К. Малевич". В петербургской выставке 1913 года его работы были поделены на две тематики: Кубофутуристический реализм и Заумный реализм.

В 1915 году произошло еще одно не маловажное событие. Состоялась футуристическая выставка "Трамвай В" в Петрограде. Малевич там выставил 16 работ.
В 1915 году появляется одна из самых знаменитых картин Малевича "Черный квадрат". Это было совсем что-то необычное, черный квадрат на белом фоне. Идея такая Малевичу пришла, когда он готовил второе издание брошюры "Победа над солнцем" (она не вышла в свет). Этот рисунок вылился в целое направление, которое позже Малевич назвал "супрематизмом" (супрема - главенствующий, доминирующий).

По этому поводу Малевич написал небольшую книжку "От кубизма к супрематизму", распространяли ее на вернисаже.

17 декабря 1915 года состоялась последняя футуристическая выставка "0, 10" ноль-десять в Художественном бюро Надежды Добычиной.

Но друзья Малевича не поддержали его идею о супремативизме как наследнике футуризма. Не готовы они были примнуть к совершенно новому направлению. К тому же художники запрещали Малевичу называть свои картины супремитивизмом ни в катологах, ни на выставках.

Но Малевич стоял на своем. Он называл свое искусство "Новым реализмом". Отличительная черта супрематизма была в том, что фоном картины всегда была белая среда. Изображение на белом фоне давало ощущение глубины пространства, бездонности. На этом фоне изображались различные геометрические фигуры, использовалась техника чистого цвета.

Малевич разделил супрематизм на 3 ступени: черную, цветную и белую.

Черный этап: это формы квадрата, креста и круга. Картина "Черный квадрат" считается базисной. "Черный крест" и "Черный круг", следовательно, идут следующими элементами.

Цветной этап: начинался с "Красного квадрата". Это более сложные композиции, различное сочетание замысловатых геометрических фигур.
Белая ступень: достиг ее Малевич 1918 году. Теперь он убрал из своих работ даже цвет.

После Октябрьской революции Малевич занимает посты в официальных органах Народного комиссариата просвещения. Больше всего он занимался развитием музеев в России. Так же он начал заниматься педагогической деятельностью, преподавал в московских Свободных государственных мастерских.
В 1919 году в июле выходить большой труд Малевича "О новых системах в искусстве". К этому времени он уже переехал в Москву, оставив беременную жену в подмосковье - нехватка средств заставила. С работой ему помогали Марк Шагал и Лазарь Лисицкий.

В 1927 году Малевич совершает первый в своей жизни выезд за границу. Сначала это была Варшава, потом Берлин. Везде он выступает с персональными выставками. Внезапно Малевич резко уезжает в СССР после получения письма, содержание которого неизвестно. Даже картины он свои оставляет, собираясь вернуться через год. Видимо тогда у него было смутное предчувствие, что уезжая, он оставляет завещание на картины.

Приехав на родину, Малевича арестовывают и несколько дней держат в заключении. Друзьям кое-как удается вызволить художника. Картины его так же подверглись гонению, к счастью, большинство сохранилось, даже после Второй мировой при гитлеровском режиме.

Для Малевича наступает так называемый этап постсупрематизма. Поездка за границу дала ему новый взгляд, новые идеи, ведь до этого он хотел оставить живопись, полагая что супрематизм был конечной точкой в этом направлении. Появляются новые произведения. Среди них картина "Девушки в поле", написанная в 1912 году. На подрамнике картины была сделана надпись "Супранатурилзм". Малевич в своем новом термине объединил ранние понятия "Натурализм" и "супрематизм". Он снова пишет на крестьянскую тему, только уже в новом стиле. Теперь образы людей стали безликими: вместо лиц просто различные овалы. В картинах больше эмоций, трагизм и одновременно героизм и величие.

После 1927 года Малевич часто меняет места работы. С работой не ладилось, приходилось много ездить. Ему приходилось даже в Киев ездить преподавать. На Украине любили художника, даже писали о нем в газетах, целый цикл рассказов.

В 1928 году исполнилось 30 лет творческой работе Малевича. Он стал готовить персональную выставку в Третьяковской галерее. Это получился масштабный и эффектный проект.

В Киеве же в 1930 году проходит его персональная выставка, но она получает жесткую критику. После этого Малевича снова арестовывают и на несколько недель сажают в тюрьму.

В 1933 году его настигает неизлечимая болезнь. Умер Малевич в 1935 году. Его похоронили, как и завещал, в Немчиновке у дуба. Бул установлен памятник в виде куба с черным квадратом.





ПРИГЛАШАЮ



Дорогие друзья[Spoiler (click to open)] и просто мимо идущие, хочу пригласить вас на свою выставку, которая пройдет в ЦДХ с 21.07 по 02.08 в 8 зале


Классная опа

В молодости[Spoiler (click to open)] когда тебе сигналили машины, ты раздражалась, злилась и внутренне возмущалась, а сейчас когда из проезжающей машины тебе говорят "классная .опа"- ты только улыбаешься про себя. Интересно, а как у мужчин меняется отношение к вниманию с годами?




Tags:



[Spoiler (click to open)]Рекорды аукционных торгов русским искусством: 20 самых дорогих русских картин.

Список самых дорогих картин мира по результатам мировых аукционов открывается произведением Сезанна и включает таких мастеров, как Пикассо, Ван Гог, Уорхол и Фрэнсис Бэкон. Из «русских картин» там одна работа Малевича.

Мы попробовали собрать свой рейтинг самых дорогих произведений действительно «отечественных» художников. Тем более что в этом июне в Лондоне прошли очередные «Русские торги», на которых было установлено несколько новых рекордов.

№ 1. Казимир Малевич — 60 млн долларов
«Супрематическая композиция». 1916 (Sotheby’s, 2008)
Казимир Малевич — 60 млн долларов. «Супрематическая композиция». 1916. Источник: Christie's
В 1927 году советский художник-авангардист Казимир Малевич, собираясь устроить выставку за рубежом, привез в Берлин почти сотню работ, которые остались на хранение у архитектора Хуго Херинга. Тот сберег их в годы нацизма, а в 1950-е годы, уже после смерти Малевича, продал. Недавно наследники Малевича (почти 40 человек) вполне резонно доказали суду, что Херинг картинами не владел, и никакого права торговать ими не имел. Поэтому один из покупателей — государственный музей Стеделек (Голландия) был вынужден расстаться с шедевром, немедленно выставленным наследниками на аукцион. Процедура возвращения других работ с берлинской выставки продолжается.

№ 2. Василий Кандинский — 23 млн долларов
«Этюд для импровизации № 8». 1909 (Christie’s, 2012)
Василий Кандинский — 23 млн долларов. «Этюд для импровизации № 8». 1909. Источник: Christie's
Цветной этюд к одной из картин серии «Импровизации», который изображает героя с золотым мечом то ли Святого Георгия, то ли Бориса или Глеба, незадолго до аукциона можно было в течение трех дней увидеть в Мультимедиа Арт Музее в Москве. Последующая продажа побила рекорд Кандинского, державшийся аж с 1990 года, когда его «Фуга» была продана Christie’s за 22,9 млн долларов. Впрочем, разница цен, как вы видите, небольшая, а если прикинуть инфляцию доллара за прошедшие четверть века, то, пожалуй, «Фуга» все-таки обошлась покупателю подороже.

№ 3. Марк Шагал — 16,3 млн долл
«Юбилей». 1923 (Sotheby’s, 1990)
Марк Шагал — 16,3 млн долларов. «Юбилей». 1923. Источник: Sotheby’s
Картина витебского мечтателя принадлежала прославленному музею Гуггенхайма и попала на арт-рынок, пожалуй, из-за человеческой глупости. Однажды директор музея Томас Кренц вывел из состава фондов ту самую «Фугу» Кандинского, это полотно Шагала и работу Модильяни и выставил на аукцион. На полученные деньги музей приобрел коллекцию из 200 работ американских художников-концептуалистов. Директора, естественно, осуждали, однако сделанного не воротишь.

№ 4. Николай Рерих — 7,88 млн фунтов (около 13,5 млн долларов)
Madonna Laboris. 1931 (Bonhams, 2013)
Николай Рерих — 7,88 млн фунтов. Madonna Laboris. 1931. Источник: Bonhams
Один из самых неожиданных рекордов прошлого года — предварительно картина оценивалась в 800 тыс.—1,2 млн фунтов стерлингов, а ушла в 7 раз дороже. Полотно на сюжет «Трудов Богоматери» изображает Марию, которая спускает свой шарф с крепостной стены Рая и тайком проводит в него человеческие души, которых не пускал апостол Петр, привратник Рая. Долгое время работа хранилась в одной американской семье, которая и знать не знала, кто такой Рерих.

№ 5. Николай Фешин — 6,95 млн фунтов (около 11,9 млн долларов)
«Маленький ковбой». 1940 (MacDougall’s, 2010)
Николай Фешин — 6,95 млн. фунтов. «Маленький ковбой». 1940. Источник: MacDougall’s
Фешин — ученик Репина, эмигрировавший в США в 1923 году, до отъезда успел завоевать на родине художественную репутацию, однако не настолько большую, чтобы о нем не забыли в советские годы. Большая выставка в Третьяковской галерее, прошедшая в 2012 году, помогла соотечественникам вспомнить о нем. «Маленький ковбой» принадлежит к американскому периоду художника — он долго жил в штате Нью-Мексико и оставил множество изображений местных жителей — и ковбоев, и индейцев.

№ 6. Наталья Гончарова — 6,43 млн фунтов (около 11 млн долларов)
«Испанка». Ок. 1916 (Christie’s, 2010)
Наталья Гончарова — 6,43 миллиона фунтов. «Испанка». Ок. 1916. Источник: Christie's
Наталья Гончарова, гигантская выставка которой недавно закончилась в Третьяковке (кстати, там можно было увидеть и множество картин из серии «Испанки»), — один из самых востребованных русских авторов на рынке. Если бы мы не приняли решение брать от каждого автора по одной картине, ее работы, пожалуй, заполнили весь список. Так, ее же «Цветы» в 2008 году были проданы тем же Christie’s за близкую цену в 5,5 млн фунтов, а «Сбор яблок» годом ранее — за 4,9.

№ 7. Илья Машков — 4,76 млн фунтов (около 8,1 млн долларов)
«Натюрморт с фруктами». 1910 (Christie’s, 2013)
Илья Машков — 4,76 млн фунтов. «Натюрморт с фруктами». 1910. Источник: Christie's
Темпераментный представитель движения «Бубновый валет» лишь недавно ворвался в топы аукционных рейтингов. Даже странно, что этим энергичным и сильным мастером пренебрегали так долго. Впрочем, «Натюрморт», хотя и является типичным образцом манеры художника, с первого взгляда не поражает. Его главная ценность в том, что это одна из его 20 картин, участвовавших в премьерной выставке объединения «Бубновый валет» 1910 года, перевернувшей художественный мир.

№ 8. Илья Репин — 4,52 млн фунтов (около 7,7 млн долларов)
«Парижское кафе». 1875 (Christie’s, 2011)
Илья Репин — 4, 52 млн фунтов. «Парижское кафе». 1875. Источник: Christie's
Ранняя работа Репина, которую художественные критики той эпохи осуждали за фривольный сюжет — тут изображена дама полусвета, осмелившаяся без сопровождения прийти в кафе. Поэтому ни Третьяков, ни другие русские собиратели покупать картину не стали, и в 1916 году она попала в шведскую коллекцию, где и оставалась до недавнего времени.

№ 9. Борис Кустодиев — 4,4 млн фунтов (около 7,5 млн долларов)
«Извозчик». 1923 (Christie’s, 2012)
Борис Кустодиев — 4,4 млн фунтов. «Извозчик». 1923. Источник: Christie's
С 1936 года полотно принадлежало известному физику Петру Капице, наследниками которого оно и было продано два года назад, почти в 2 раза превысив предыдущий рекорд Кустодиева. В 1924 году картина участвовала в престижной нью-йоркской выставке русского искусства, где было выставлено 100 лучших художников страны. Причем на плакат выставки поместили именно «Извозчика», как наиболее яркий собирательный образ нашего искусства.

№ 10. Василий Поленов — 4,07 млн фунтов (около 7 млн долларов)
«Кто из вас без греха?». 1908 (Bonhams, 2011)
Василий Поленов — 4,07 млн фунтов. «Кто из вас без греха?». 1908. Источник: Bonhams
Картина, иллюстрирующая эпизод из Нового Завета про Христа и грешницу, является авторским повторением одноименного полотна из Русского музея. Почти век назад она переплыла Атлантический океан (чудом не попав на рейс «Титаника») и оказалась в коллекции американского университета. Там она и провисела почти 80 лет, пока ректор с удивлением не осознал, что неведомый Polenoff поможет ему решить проблему с дефицитом бюджета. Действительно, зачем янки наш Василий Дмитриевич? Что они в нем понимают?

№ 11. Константин Сомов — 3,7 млн фунтов (около 6,3 млн долларов)
«Радуга». 1927 (Christie’s, 2007)
Константин Сомов — 3,7 млн фунтов. «Радуга». 1927. Источник: Christie's
Константин Сомов покинул Советы в 1923 году в качестве уполномоченного той самой «Русской выставки», на постер которой пошел «Извозчик» Кустодиева. На родину Сомов не вернулся, осев, разумеется, в Париже. Изысканный представитель движения «Мир искусства» в эмиграции продолжал воспроизводить все те же тонкие и деликатные образы, которыми прославился в эпоху Серебряного века, и поэтому даже его картина 1927 года прекрасно иллюстрирует дореволюционную атмосферу.

№ 12. Василий Верещагин — 3,6 млн фунтов (около 6,2 млн долларов)
«Жемчужная мечеть в Агре», 1870—80-е (Christie’s, 2014)
Василий Верещагин — 3,6 млн фунтов. «Жемчужная мечеть в Агре», 1870—80-е. Источник: Christie's
Один из рекордов, установленных на Русских торгах в прошлом месяце. Картина Верещагина практически все время своего существования находилась в Штатах. В 1888 году она была в числе картин на выставке Верещагина, путешествовавшей через Нью-Йорк, Чикаго, Балтимор и Бостон. Кстати, все 110 картин с этой выставки после ее окончания ушли с молотка, так что почитателей таланта художника все еще ожидают новые открытия — в каких-нибудь пыльных кладовках очередных американских университетов.

№ 13. Владимир Боровиковский — 2,99 млн фунтов (около 5,1 млн долларов)
«Портрет графини Л.И. Кушелевой с сыновьями Александром и Григорием», 1803 (Christie’s, 2014)
Владимир Боровиковский — 2,99 млн фунтов. «Портрет графини Л.И. Кушелевой с сыновьями Александром и Григорием», 1803. Источник: Christie's
Другой рекорд прошлого месяца примечателен еще и тем, что это самая старинная картина в нашем списке. Действительно, парадные портреты кисти Боровиковского — портретиста Екатерины Великой и Павла Первого — это вещи поистине музейного уровня, и на торги они попадают крайне редко. Забавно, что на Christie’s, кажется, и сами не знали, как Боровиковский нам дорог, и выставили его по начальной цене всего в 50–70 тыс. фунтов. А выручили 3 миллиона! Кстати, парный портрет, изображающий мужа графини, был продан в два раза дешевле: явное доказательство того факта, что старинные портреты нарядных женщин всегда интереснее, чем мужские.

№ 14. Илья Кабаков — 2,9 млн фунтов (около 5 млн долларов)
«Жук». 1985 (Phillips de Pury, 1998)
Илья Кабаков — 2,9 млн фунтов. «Жук». 1985. Источник: Phillips de Pury
А эта работа легендарного художника-концептуалиста, наоборот, самая свежая в нашем списке. Рекорд установлен в аукционном доме Phillips de Pury, который специализируется на современном искусстве, и не побит уже многие годы.

№ 15. Александр Яковлев — 2,82 млн фунтов (около 4,8 млн долларов)
«Портрет художника Василия Шухаева в его мастерской», 1928 (Christie’s, 2007)
Александр Яковлев — 2,82 млн фунтов. «Портрет художника Василия Шухаева в его мастерской», 1928. Источник: Christie's

Художники Яковлев и Шухаев были большими друзьями, и памятником их дружбы остался знаменитый Двойной автопортрет в виде Арлекина и Пьеро из Русского музея. Этот же портрет, изображающий Шухаева в рабочем халате на фоне мастерской, кажется немного скучноватым. Предыдущий рекорд Яковлева — картина «Тити и Наранге, дочери вождя Эки Бондо» (2,5 млн. долл), написанная художником после вояжа по Африке, — право, намного любопытнее.

№ 16. Иван Айвазовский — 2,7 млн фунтов (около 4,6 млн долларов)
«Американские суда у скалы Гибралтара». 1873 (Christie’s, 2007)
Иван Айвазовский — 2,7 млн фунтов. «Американские суда у скалы Гибралтара». 1873. Источник: Christie's
Знаменитый художник-маринист оставил такое количество полотен и так популярен среди копиистов, что до аукционов добираются только по-настоящему достоверные произведения. Это полотно было подарено на свадьбу в 1919 году предкам последнего владельца.

№ 17. Павел Кузнецов — 2,37 млн фунтов (около 4 млн долларов)
«Восточный город. Бухара», 1928 (MacDougall’s, 2014)
Павел Кузнецов — 2,37 млн фунтов. «Восточный город. Бухара», 1928. Источник: MacDougall’s

Один из прорывов нынешнего года — картина нежного советского романтика Павла Кузнецова, который находил поэзию в среднеазиатской жаре. Кстати, высокие результаты прошедшей в июне Русской недели, по комментариям представителей аукционных домов, — хороший показатель, потому что весной из-за страха санкций арт-рынок слегка притих.

№ 18. Борис Григорьев — 3,72 млн долларов (около 6,3 млн долларов)
«Пастух в горах» («Клюев-пастырь»). 1920 (Sotheby’s, 2008)
Борис Григорьев — 3,72 млн долларов. «Пастух в горах» («Клюев-пастырь»). 1920. Источник: Sotheby’s
Картина из серии «Расея», посвященной устрашающему русскому крестьянству, изображает крестьянского поэта Николая Клюева в образе пастуха. Предыдущий рекорд язвительного художника Григорьева составил 3,2 млн долларов за картину «Бретонские волынщики» из серии, посвященной французской провинции Бретань, где он жил в 1920-х.

№ 19. Кузьма Петров-Водкин — 3,6 млн долларов
«Натюрморт. Яблоки и яйца», 1921 (MacDougall’s, 2012)
Кузьма Петров-Водкин — 3,6 млн долларов. «Натюрморт. Яблоки и яйца», 1921. Источник: MacDougall’s

Продажа натюрморта, написанного в весьма узнаваемой манере Петрова-Водкина, аукционным домом MacDougall’s (который специализируется на русском искусстве) почти на 1 млн улучшила результат 2010 года. Тогда портрет мальчика Васи ушел за 2,66 млн долларов.

№ 20. Юрий Анненков — 2,26 млн фунтов (около 3,9 млн долларов)
«Портрет А.Н. Тихонова», 1922 (Christie''s, 2007)
Юрий Анненков — 2,26 млн фунтов. «Портрет А.Н. Тихонова», 1922. Источник: Christie's
Анненков памятен любителям литературы Серебряного века по графическим портретам писателей и поэтов. Живописный портрет, созданный с использованием техники коллажа — поверх масляной краски здесь положены стекло и штукатурка, и даже приделан настоящий дверной звонок,— также изображает писателя по фамилии Тихонов-Серебров. Впрочем, от других моделей Анненкова — например, Ахматовой, Пастернака или Максима Горького, этот человек потомкам не запомнился. А то бы картина, разумеется, была бы продана намного дороже




Про космос



[Spoiler (click to open)]Помните, друзья, я была в гостях у небожителей. Так вот , что мне досталось в подарок

.
конверты с подписями, погашенные небесной канцелярией


.
и лично мне


Гордость союза


[Spoiler (click to open)] Вот эта графическая работа моего друга Ярошевского Дмитрия побывала в космосе. И теперь это гордость нашего творческого союза.


Чудо плита от Kit Fort

Ура,[Spoiler (click to open)] ура, ура, наконец у меня появилось то, что всегда хотела попробовать и всегда было интересно как работает. У меня появилось то, без чего не обходится ни одна из домохозяек - плита, и это не просто плита, а индукционная плита от Kit Fort KT-105.


.


Сначала расскажу почему она индукционная и в чем преимущества. Простым языком нагрев посуды идет за счёт электромагнитов и тогда еда разогревается. Если есть среди Вас экономные хозяйки, то для Вас будет огромным плюсом отсутствие потерь тепла и энергии, вся энергия идет напрямую на посуду и не обогревает "пустоту" вокруг конфорки! (И более того плита "видит" стоит ли на ней посуда или нет, и если не стоит, она ВЫКЛЮЧАЕТСЯ, сама, представляете). Далее, индукция потребляет на много меньше электричества чем обычные плиты и КПД на ней больше. (Пример газ - 40%, электричество - 47%, индукция -90%!) такая плита безусловно экономит время. Она не требует разогревания, как электрическая и вода, допустим, вскипаем много быстрее чем на обычной. Опять же, так как это индукция, то сама конфорка не нагревается, а значит Вы не обожжетесь и попав на плиту что-то, это что-то не подгорит и не будет "вонять" и не нужно будет ОТМЫВАТЬ плиту!!! Справедливости ради нужно отметить что конфорка греется, но только исключительно от посуды и это не так критично как при обычной плите. Ну и конечно же она красивенькая и гладенькая.


Так вот перейдем теперь к моей индукционной плите от Kit Fort. Сама плита, мне ее доставили, пришла в оранжевенькой, плоской коробке весом, ну наверное, килограмм 5. У этой плиты 2 конфорки. В коробке были: плита (ха, ещё бы), инструкция, гарантийный талон, памятка и магнитик. Магнитик сказать кстати очень нужен. Он не только красивый и его можно повесить на холодильник, но и им можно проверить посуду, которая подойдет для работы на индукционных плитах. Дело в том, что раз уж принцип магнитный, то нагревать нужно то, что магнититься. То есть рабочая поверхность с плитой должна магнититься. Это можно проверить приложив этот магнит к дну посуды; держится - все отлично, подходит.


Плита переносная, может работать от обычной розетки и, в принципе, она не толстая, всего 10 см.

Плита имеет массу программ; начиная от банального таймера и возможности сохранять горячим, до просмотра сколько Вы потратили энергии (кВт*ч) или напряжение в сети (Вольт). Конечно "крутилок" в ней нет, все сенсорное (отклик отличный) и температуру тоже выставлять сенсорной кнопкой. В плите есть небольшие дисплея (2, для каждой из "кружков") там отображается вся информация.

Очень нравится приглашать подружек и показывать фокус: во время готовки положить палец на работающую конфорку. Все думают: "боже мой, ожог сейчас будет!", но нет я без ожога и держать могу бесконечно, все в шоке.


Кстати есть одна хорошая хитрость: что бы плиту вообще не мыть можно застелить рабочие поверхности обычной газетой/бумагой, и в случае если еда будет "плеваться" - плита не будет грязной. Для информации, бумага не загорится.
Всем советую переходить на сие чудо техники. Я довольна плитой и довольна продукцией от Kit Fort!

Приобрести такую красоту можно в
Юлмарт,
Ситилинк
220 вольт ,
Озон ,
DNS

Technopoint

21 Век в Беларуси
Ну и самое сладкое на последок! Можно чудо-плиту выиграть и у меня. Для этого надо:
- репостнуть этот пост в одну или несколько социальных сетей
-отправить мне ссылку в комент первого уровня
-получить номер и ждать розыгрыша
Розыгрыш пройдет с 15 июля по 22 июля включительно. Победитель будет объявлен 23 июля.
Отправка приза производится только по России. И не забываем вы должны быть моим другом

ВСЕМ УДАЧИ!!!




"Кэт-Салон-Август"





[Spoiler (click to open)]Друзья мои помнят, что на Весеннем кэт-салоне Папик (Пако Марио Сан) занял два 1 места в рингах. Поэтому нас переодически зовут выставиться. Вот и в очередной раз прислали, но мы свое самолюбие потешили и хотим поделится информацией с вами. Надеюсь кому то такая информация пригодится.

Клуб любителей кошек "Москва" приглашает всех на очередную выставку кошек

"Кэт-Салон-Август"

лицензия WCF #151033

Место проведения: КВЦ "Сокольники", павильон 11

Время проведения: 29-30 августа 2015 г.

Экспертизу проводят судьи международной категории:

• Andreas Mobius (WCF, АВ), Germany,
• Елена Гудкова (WCF, АВ), Россия, г. Москва
• Галина Королева (WCF, AB), Россия, г. Москва
• Людмила Макарова (WCF, AB), Россия, г. Москва
• Анна Назарова (WCF, AB), Россия, г. Москва

Добровольный экспонентский взнос (руб):

до 8 августа: титульные классы и пометы - 2800 руб, котята-юниоры 2600 руб.

В рамках выставки состоятся:

2 WCF-Ринга для взрослых (с 10 мес.) - в субботу и в воскресенье, все породы, два разных эксперта.
2 WCF-Ринга для молодых (с 3 до 10 мес.) - в субботу и в воскресенье, все породы, два разных эксперта.

Монопородные шоу: британцы, скоттиши, мейн-куны, абиссинцы и др. породы.

Оплата рингов и шоу на выставке.

На выставке будет работать профессиональный фотограф-анималист - Светлана Гладкова http://www.gladkova.ru/

Подробнее о выставке кошек 29-30 августа 2015 г.:
http://www.mos-cat.ru/cat_show.html

Контактный e-mail: mos-cat@mail.ru

Справки по телефонам: +7-929-576-7876, +7-916-301-8061




.


[Spoiler (click to open)]
Всем Звездным городком встречают каждую команду возвращающуюся из космоса. Вот и мне довелось встречать команду МКС 42/43 Терри Вёрсата
(Terry Virts)(США), Антона Шкаплерова(Россия), Саманту Кристоферетти(Samantha Cristoforetti)(Италия). На борту они провели с 24.11.2014 «Союз ТМА-15М» по 11.06.2015 «Союз ТМА-15М».
По русской традиции хлеб-соль


Обязательно гимн стран покорителей


.
Подарки

.
Поздравление родных-ждущих на земле
.
и опять подарки

.
подарки от нашего союза художников

.
подарок приходу иконы, побывавшей в космосе

.
много поздравлений

.








В гостях у небожителей



[Spoiler (click to open)]
Пригласили меня в Зведный городок. Я в него попала впервые и меня он очень удивил своей простотой.
Город в котором не закрываются двери

.

.На улицах можно собирать грибы

.
Всем подъездом праздновать День рождения

.
Дети гуляют во дворах одни

.

.

Молоко продается без продавца
.

.
Много велосипедистов

. и совсем нет пафосных машин


А еще все со мной здоровались!


Пришло письмо

Дорогие друзья!
[Spoiler (click to open)]11 июля, в субботу, в Москве состоятся традиционные ГУМовские велокатания.
В нашем марафоне может принять участие каждый: спортсмены и любители, с семьей и друзьями, с коллегами и соседями! Главное — крутить педали.

Старт будет дан у стен ГУМа, а маршрут протяженностью 11 км 120 м пройдет по Кремлевской набережной Москва-реки и Бульварному кольцу: Гоголевскому, Никитскому, Тверскому, Петровскому и Покровскому бульварам. Затем по улице Солянка и Варварка участники велопробега вернутся в ГУМ к финишу.

Наш девиз: «Главное — не победа, а участие!». А в придачу к удовольствию каждый участник велопробега может получить еще и ценный приз!

В этом году генеральным партнером ГУМовских велокатаний стал известный часовой бренд Tissot. Компания Tissot — спонсор Международного Союза Велоспорта (UCI) с 1995 года, официальный Хронометрист Чемпионатов мира по шоссейным гонкам и многих других соревнований по велоспорту. Уже более четверти века бренд осуществляет спонсорскую поддержку знаменитой Tour de France, швейцарской велогонки Tour de Suisse, испанской La Vuelta d’Espagna и многих других. Надежный партнер ГУМовских велокатаний — компания Electra.

Самые активные участники ГУМовских велокатаний получат в подарок дуэт мужских и женских часов Tissot Le Locle Automatic Gent и Tissot Le Locle Automatic Lady из лимитированной коллекции, выпущенной к юбилею ГУМа, велосипеды Electra и комплекты экипировки из коллекции BOSCO.

Начало регистрации — в 10:00 утра на Ветошном переулке возле ГУМа.
Стартуем ровно в полдень под бой курантов на Спасской башне Кремля!
После велопробега вы сможете найти и скачать свои фотографии на сайте gum.ru.

Ждем вас на ГУМовских велокатаниях! Присоединяйтесь!

О "Девочке с персиками"


[Spoiler (click to open)]
Иногда лучше не знать историю жизни прототипов персонажей известных произведений. Девочка с персиками в реальности прожила всего 32 года (умерла от пневмонии), ее муж больше не женился, остались трое детей. Будущее в глазах героини картины Валентина Серова не считывается. По ней даже не видно, что она дочь богатого промышленника
1 ДЕВОЧКА. Озорной характер Веры Мамонтовой читается и в ее лукавом взгляде, и в складке губ — того и гляди рассмеется. Растрепанные волосы, румянец во все лицо, пылающая мочка уха указывают на то, что она только что носилась по двору. А через минуту вскочит и побежит дальше. Тем не менее это был ее первый опыт продолжительного позирования. Искусствовед Элеонора Пастон говорит: «Считается, что ее внешние черты Врубель придал «Снегурочке», «Египтянке», Тамаре на иллюстрациях к «Демону». Веру Саввишну со временем прозвали «абрамцевской богиней». Ее портреты также писал Васнецов («Девушка с кленовой веткой», «Боярышня»).
2 БЛУЗКА. На Вере повседневная одежда, хоть и украшенная ярким бантом. Просторная блуза кажется несколько мешковатой и слишком детской для 11-летней девочки. То, что она не переодевается специально для позирования, подчеркивает спонтанность ситуации и простоту отношений. Розовая блузка становится самым ярким и праздничным акцентом картины, и создается впечатление, что свет исходит не только из окна, но и от героини.
3 КОМНАТА. Место действия — столовая Мамонтовых в усадьбе Абрамцево, одна из анфиладных комнат.
4 СТОЛ. За большим раздвижным столом всегда собиралось много народу — члены семьи и друзья. Элеонора Пастон рассказывает, что Серов часто работал здесь.
5 ПЕРСИКИ выращены в оранжерее Мамонтовых. Деревья для нее семья купила в имениях Артемово и Жилкино в 1871 году. Выращивал персики артемовский садовник, которого Мамонтовы пригласили к себе после того, как он продал им деревья.
6 КЛЕНОВЫЕ ЛИСТЬЯ. Серов заканчивал работу над портретом в сентябре. Желтеющая листва за окном и на столе — свидетельство долгого терпения девочки. Кроме того, осенние кленовые листья рядом с летними персиками будто напоминают: жизнь быстротечна, и надо радоваться, пока ты юн и светит солнце.
7 ГРЕНАДЕР. Игрушечный деревянный солдат в левом углу — изделие сергиево-посадских кустарей. По словам заместителя директора по науке музея-заповедника «Абрамцево» Елены Митрофановой, Мамонтовы купили игрушку в Троице-Сергиевой лавре в 1884 году. Фигурка была некрашеная, расписывал ее Серов. В Абрамцевском музее есть даже выполненный художником эскиз росписи. Гренадер до сих пор стоит на тумбочке в том же самом углу.
8 КРАСНАЯ ГОСТИНАЯ. Соседняя комната, часть которой видна слева, — так называемая Красная гостиная, где собирались писатели и художники, друзья Мамонтовых. Там они читали по ролям произведения Пушкина, Гоголя, Тургенева, музицировали, дискутировали.
9 СТУЛЬЯ. Добротные стулья из красного дерева достались Мамонтовым от Аксаковых вместе с традицией художественных посиделок. Те два, что стоят у окна, — со спинками в виде лиры — были очень модными в начале XIX века, а в конце его уже превратились в антиквариат. В Красной гостиной виден стул в стиле жакоб. Подобная мебель строгих прямых очертаний, с вставками из золоченой латуни, появилась в России еще при Екатерине II. В Абрамцеве сохранились и стулья-лиры, и жакоб, который по-прежнему стоит в Красной гостиной.
10 ОКНО столовой, как и терраса, примыкающая к Красной гостиной, выходит в Абрамцевский парк, на аллею, названную Гоголевской в честь писателя, любившего здесь гулять. Видно, что оконные рамы далеко не новые, краска на них кое-где облупилась. Это добавляет картине естественности и ощущения того уюта, которое можно испытывать только в «родных стенах».
11 ТАРЕЛКА. Савва Мамонтов увлекался прикладным искусством. В 1889 году он даже открыл при усадьбе гончарную мастерскую, в которой создавались изделия из керамики в технике майолика. В частности, этим занимался Врубель. Судьба тарелки, изображенной Серовым за два года до открытия мастерской, неизвестна, но она настолько гармонично вписана в интерьер, что позже на той же стенке появилась другая майоликовая тарелка, уже из мастерской Мамонтовых. Она и сейчас висит в столовой на этом месте. Августовским днем 1887 года 11-летняя Вера Мамонтова, отвлекшись от уличных игр, вбежала в дом и присела за стол, схватив персик. Ее жизнерадостный вид так впечатлил Валентина Серова, что он предложил девочке позировать.
Художник знал модель с младенчества. Он часто бывал и даже подолгу жил в имении Мамонтовых Абрамцево, которое те купили у дочери писателя Сергея Аксакова в 1870 году. Еще при Аксаковых усадьба была центром русской культурной жизни. При Мамонтовых традиции продолжились. Здесь гостили Тургенев, Репин, Врубель, Антокольский... Абрамцево было и «домом творчества», и местом, где в атмосфере домашнего уюта собирались друзья. Впервые Серова привезла в Абрамцево мать-композитор в 1875 году. Он рос вместе со старшими детьми Мамонтовых, постоянно терпя их проказы. Младшая Вера тоже подшучивала над юным Серовым.
Все изменилось в 1887 году, когда 22-летний художник вернулся из Италии, вдохновленный солнечными пейзажами и шедеврами Ренессанса. Тогда у Серова, по его воспоминаниям, был дурман в голове и желание «писать только отрадное». Еще недавно художник был невольным участником Вериных игр, а теперь та, которую до сих пор никто не мог заставить усидеть на месте, часами позировала ему каждый день почти два месяца. Со стороны девочки это была дань по-родственному близким отношениям. А картина явилась «своеобразной благодарностью Серова теплу и уюту дома Мамонтовых, ставших для художника второй семьей», — считает доктор искусствоведения, старший научный сотрудник Третьяковской галереи Элеонора Пастон. «Бывают создания человеческого духа, перерастающие во много раз намерения их творцов… К таким… надо отнести и тот удивительный серовский портрет. Из этюда «девочки в розовом»... он вырос в одно из самых замечательных произведений русской живописи», — писал о картине художник Игорь Грабарь. Валентин Серов подарил картину матери Веры, Елизавете Мамонтовой, и долгое время портрет находился в Абрамцеве, в той же комнате, где был написан. Теперь там висит копия, а оригинал выставлен в Третьяковской галерее.
Святослав Зеленский



Правда о Трех медведях




[Spoiler (click to open)]На отечественных просторах вы не найдете второго такого «хитового» полотна, сюжет которого присутствует на раритетном бабушкином покрывале, вышитой думочке, скатерти, тарелках и даже на обертках с милыми косолапышами. Воспоминания родителей, шоколадные конфеты и ходы пиарщиков – вот что не дает нам забыть о картине И. Шишкина «Утро в сосновом лесу» или, в простонародье, «Три медведя».
А только ли Шишкина? Медведей на холсте нарисовал К. Савицкий, который поначалу изображал двух косолапых, а потом поднял их число до четырех. Раньше считалось, что Шишкин, несмотря на его довольно весомые успехи в анималистической живописи, был не в состоянии изобразить медведей, так что просто эксплуатировал беднягу Савицкого и даже не разрешил тому подписаться на картине. На самом деле художники дружили, а медведи появились уже после того, когда последний сказал, что полотно нединамично. Шишкин мог рисовать кого угодно, но не медведей, вот и дал Савицкому возможность оживить картину и поставить подпись. Коллекционер П. Третьяков был не так лоялен: он купил картину у Шишкина, а это значит, что авторство его, так что никаких Савицких тут быть не может. В общем, надпись была стерта и «Утро в сосновом лесу» стало считаться одной из ключевых картин в творчестве одного из самых выдающихся российских пейзажистов.
Конфеты «Мишка косолапый» с шишкинской репродукцией на фантике и дали название полотну «Три медведя». Появившееся лакомство имело начинку из миндаля, какао-бобов, стоило дорого, но было так вкусно, что даже агитатор всех и вся В. Маяковский не удержался и написал мол, если хотите «Мишек», то отложите на сберкнижку энную сумму денег. Вот так «Мишка косолапый» стал «Тремя медведями» (а их на картине четыре), конфета – одним из признаков СССР, а И. Шишкин – народным художником.
Правда, он и был певцом природы родного края и до «Медведей». Художник хотел и умел удивлять, прежде всего, пейзажами, которые он выписывал настолько ювелирно, что заслужил славу мастера детализации. Только у него увидите дымку тумана, словно парящую среди ветвей столетних сосен, мягкий и уютный мох на валунах, прозрачную воду ручья, утреннюю или вечернюю прохладу, полуденную жару лета. Что интересно, все полотна художника частично эпичны, но монументальны – всегда. При этом Шишкин не пафосен, он просто тот человек, который искренне восхищается величественной природой родного края и умеет изображать ее.
«Утро в сосновом лесу» умиротворяет уравновешенностью своей композиции. Три медвежонка очень гармонично смотрятся с их мамой-медведицей, а к двум половинкам упавшей сосны так и хочется применить божественную пропорцию. Эта картина – словно случайный кадр на старенький фотоаппарат, который удалось сделать туристу, так долго искавшему истинную девственную природу.
А если посмотреть на колорит картины, то художник словно пытается охватить все богатство красок рассветной поры. Мы видим воздух, но он не голубого привычного оттенка, а скорее сине-зеленого, немного мутного и туманного. Преобладающие цвета, которые окружили косолапых жителей леса – зеленые, голубые и солнечно-желтые, отражающие настроение проснувшейся природы. Яркие мерцания золотых лучей на заднем плане словно намекают на солнце, которое вот-вот осветит землю. Именно эти блики и придают картине торжественности, именно они говорят о реалистичности тумана над землей. «Утро в сосновом лесу» - это еще одно подтверждение осязательности полотен Шишкина, ведь прохладный воздух можно даже почувствовать.
Посмотрите внимательно на лес. Его облик передан настолько реалистично, что становится ясно: это не лесная поляна, а глухая чаща – истинное сосредоточение живой природы. Над ней чуть только взошло солнце, лучи которого уже успели пробраться к верху крон деревьев, забрызгав их золотом и снова спрятались в чащу. Влажный, еще не рассеявшийся туман, кажется, разбудил обитателей древнего леса.
Вот проснулись медвежата и медведица, развив свою бурную деятельность. Довольные и сытые мишки с самого утра познают окружающий мир, исследуя ближайшую поваленную сосну, а мама-медведица следит за малышами, которые умиляюще неуклюже карабкаются на дерево. Причем, медведица наблюдает не только за детенышами, а и старается уловить малейшие звуки, которые могут нарушить их идиллию. Просто удивительно, как эти звери, написанные другим художником, смогли оживить композиционное решение картины: поваленная сосна словно была создана для этого медвежьего семейства, занятого своими важными делами на фоне отдаленного и дикого уголка русской природы.
На картине «Утро в сосновом лесу» раскрывается мастерство реалистичного изображения и его качество, причем во многом опережающее современную цифровую технику. Каждая травинка, каждый лучик солнца, каждая иголочка сосны написана Шишкиным любовно и трепетно. Если передний план полотна изображает поваленную сосну со взбирающимися на ней медведями, то на заднем плане расположился древний лес. Медвежата и остальная природа вызывают у каждого человека умиротворяющие положительные эмоции. Звери, словно игрушечные, наполняют добротой начало нового дня и настраивают на позитивное мышление. Глядя на этих милых животных, не вериться, что они – хищники по своей природе и не могут быть способны на жестокость. Но главное даже не в этом. Шишкин акцентирует внимание зрителя на гармонию солнечного света, который исходит от заднего плана картины с медвежатами на переднем плане. Проведите визуально линию через них – и вы непременно заметите, что это самые яркие объекты на картине, а все остальное, включая неправильной формы сосны – это лишь дополняющие штрихи.
Кажется, что «Утро в сосновом лесу» изображает настоящих, живых медведей на некоем фантастичном пейзаже. Вятский лес, с которого списана природа, говорят исследователи, сильно отличается от шишкинского. Просто интересно, существуют ли там сейчас медведи, ведь картина на протяжении века воспитывающая эстетический и моральный вкус людей, так и просит бережно относиться к окружающей природе.





[Spoiler (click to open)]Как хорошо в центре Москвы полежать на песочке у воды. С самой зимы мечтаю о море, но увы в этом году мне суждено оставаться в Москве. Поэтому увидя эту роскошь я не могла пройти мимо. Это мой любимый Парк Горького в которой отвратительная в этом году питальня(




.




СВЕТЛОЯР


[Spoiler (click to open)]
Лето, жарынь, пыльная духота. Звенит тревожно цикадами летнее солнцестояние и престольный праздник, посвященный Богородице, гудит колоколом и многолюдством. Люди, люди, люди… А озеро ясным своим молчанием просит покоя; не праздника, а торжества.
Сверху озеро похоже на глаз, опушенный ресницами деревьев. Этот глаз - древность, в которой отражается вечность, и история, корни которой проросли в небо. Миф, заснувший, потому что его столько раз переиначили в угоду политике, религии, моде или просто чьему-то восприятию. Так хочется бережно размести его, как археолог, сдуть культурные наносы, взять в ладони и услышать живое дыхание.
В моих глазах марево длинной и трудной дороги с приключениями, сквозь которое впервые глядит на меня странное место - одновременно чужое и родное озеро Светлояр, на дне которого, как говорят, живет своей жизнью Китеж-град. Родной среднерусский пейзаж. Деревня с домами стародеревенского фасона, как в детстве, но наполненная вполне современными лицами. Человек, обладающий старинным лицом и такой же фамилией, пытающийся сохранить то, чего почти нет.
Легкая, легкая вода: не плывешь - летишь. Вода смывает воспоминания и шепчет о прародительнице оленухе, топнувшей копытом посреди лесов и напившейся из озера; о татарах-завоевателях, так и не узнавших, куда делась богатая добыча - Китеж; о Девке-Турке в языческие времена, наказавшей непокорных жителей этих мест за гордость и свободную волю. И, мниться, что ты видишь, сквозь толщу воды, как сквозь время, великанов-отшельников, заслонивших собой от беды селение и истекших до последней капли жизни родником Кибелек. Вода смывает все следы на твоем предыдущем пути и ставит перед необходимостью прокладывать новые, не то в прошлое, не то в будущее, не то во вневременье.
Плывет купальский венок Светлояра в кольце свечевых огоньков; люди, пришедшие, кто за благословением святых, кто за языческим экстазом, кто просто за экзотикой или от скуки, сливаются в один световой круг, как человечество, не помнящее о своей целостности и цели, бредущее по кругу вечной истории. Из темной ночной воды глядит на человеческую круговерть подлинная тайна, а бредущим по кругу в темноте свечкам некогда и невозможно остановиться и взглянуть ей в глаза. Впереди – скользкий мосток, позади – нетерпеливая толчея и, если остановится хоть на мгновение, упадешь в бездну – никто и не заметит в спешке.
Остается одно – выбрать иное время, что бы вернуться вне суеты, сесть на берегу и услышать голос, зовущий за грань воды и неба, истории и восприятия. Попасть в миф, который приоткроет щель и позволит вообразить себя сопричастным и созвучным.
Рина Гес
больше фоток можно посмотреть здесь https://fotki.yandex.ru/users/lil3344/album/199706/ и https://fotki.yandex.ru/users/lil3344/album/199707/












[Spoiler (click to open)]С 3 июля вокруг ГУМа мы можем наблюдать разноцветный цветочный ковер. Он так опаясал ГУМ , что пробрался даже внуть. Яркие цветочные узоры из петуньи, тагетеса, сальвии, колеуса, лобелии, агератума ковром легли на улочкак примыкающих к ГУМу и Красной площади. Спешите вдохнуть аромат лета.

.


.

.



.



.




Боярыня Морозова




[Spoiler (click to open)]Еще в детстве Суриков слышал рассказ от тетки о боярыне Морозовой, крепко ему запомнившийся. Глубина композиционного замысла потребовала от художника пятилетней работы. После темной гаммы "Меншикова" картина "Боярыня Морозова" поражает своим светлым, очень сложным тоном.

Сюжет картины прост: дело происходило при царе Алексее Михайловиче. Церковная реформа патриарха Никона надвое расколола русскую церковь, что породило сопротивление. Врагом Никона был протопоп Аввакум. Морозова была ближайшей его последовательницей. Несмотря на близость ко двору царя, она была схвачена, подвергнута жестоким допросам и пыткам и умерла в земляной тюрьме в Боровском Монастыре. На картине Суриков взят момент, когда Морозову,скованную кандалами везут по московским улицам. Она прощается с народом, подняв руку, сложенную двуперстным крестом, как знамение старообрядчества.

В картине большое значение придается колориту и выраженным движениям. Сурикову нужно было передать волнение народа. Заметно и диагональное построение композиции картины, центр картины - Морозова. В ней воплощена страшная сила духовного сопротивления, веры, доходящей до исступления. Эта сила электризует толпу, е чувствует каждый, в многоликой массе народа она преломляется многоцветной радугой разнообразных переживаний.

Неудивительно поэтому, что над образом самой Морозовой Суриков работал больше всего. Как и всегда,он отправлялся от внутреннего образа, которому искал наибольшее соответствие в натуре. "В тиме боярыни Морозовой, - говорил Суриков, - тут тетка одна моя Авдотья Васильевна,что была за дядей Степаном Федоровичем, стрельцом-то с черной бородой. Она к старой вере стала склоняться...Она мне по типу Настасью Филипповну из Достоевского напоминала. Только я на картине сперва толпу написал,а ее после. Очень трудно ее лицо было найти. Ведь сколько времени я его искал. Все лицо мелок было. В толпе терялось..."

В "Морозовой" живопись Сурикова достигает своей вершины. Все выраженно ее средствами - пространством,пластичсекой формой,контрастом света и тени, разнообразным цветом. Но эт прекрасная и богатая художественная форма, этот живой то мерцающий, то открытый цвет существуют не сами по себе: вних-то именно и заключена внутренняя суть картины.

Фигура Морозовой является центральной не только потому,что она сильнее всего окружающего по своему иссиня-черному цвету, обогащенному рефлексами, и не только потому,что в композиции она занимает центральное положение. Ее образ централен по смыслу, по той роли, которую играет в картине. Его значение состоит в том, что он выражает великую силу убеждения, силу, сообщающую идее могущественную действенность. Вот почему образ Морозовой наделен такими необычайными чертами,вот почему он представляется пламенным, зажигающим сердца, вот где источник его особенной, пронизающей красоты. В художественном воплощении огромной силы человеческого духа - весь пафос картины и смысл образа Морозовой.

Еще одни слова Сурикова о создании картины: "...А то раз ворону на снегу увидал. Сидит ворона на снегу и одно крыло отставила, черным пятном на снегу сидит. Так вот этого пятна я много лет забыть не мог. Потом боярыню Морозову написал. Да и "Казнь стрельцов" точно так же пошла: раз свечу зажженную, днем, на белой рубахе увидал, с рефлексами".

Эти слова заслуживают самого пристального внимания. Но они часто истолковывались неправильно,так как давали повод предполагать не только наличие, но даже преобладание формального момента,якобы составляющего основу всего творческого процесса. На самом деле и ворона на снегу, и рефлексы свечи на белой ткани - это нечто болшее, чем просто формальное зарождение замысла картины, это живописный принцип, объединяющий краски в обостренном живописном контрасте,как бы музыкальный ключ будущей картины. В процессе внутренней работы над картиной,в процессе собирания материала и вживания и изображаемо событие для художника наступал решиющий момент, когда был найден, увиден в натуре живописный образ как живописный синтез будущей картины, определивший основные цветовые отношения. Этот момент был моментом подлинного вдохновения.

Все лица,созданные Суриковым в "Морозовой", и прежде всего женские,пресполненные красоты необычайной, живой, одухотворенной. На их глазах совершается событие, равного которому они в своей жизни не переживали. Это событие не забудется завтра, оно оставит в душах неизгладимый след. Красота женских - это красота пробужденного чувства и сознания. Женщины в картине все обращены к Морозовой, и лица их словно расцветают невиданной красотой, которая не потухнет и не исчезнет даже тогда, когда событие кончится и начнутся будни.

Кроме сочувствующих Суриков показал в толпе равнодушных и даже враждебно настроеных по отношению к боярыне. Остро дан характер попа - пьяницы и циника. Его ничтожество особенно убедительно в соседстве с остальными персонажами. Есть еще несколько чловек в картине,для которых следование Морозовой представляется занимательным уличным происшествием. Это по большей части подростки. Одни бегут за санями, другие стоят и скалят зубы. Их Суриков писал с большой любовью, так же как и последователей Морозовой. Ничего дурного не видел художник в их веселом любопытстве и равнодушии. Это - сама жизнь,сама человеческая природа, в которой сила органической жизни подавляет до времени тревоги душевных переживаний. Через несколько лет данная тема вырастет у Сурикова в самостоятельную картину "Взятие снежного городка".

Картина появилась на открытии Передвижной выставки 1 марта 1881 года, когда вся столица была взбудоражена Александра Второго. Когда пояивлась "Боярыня Морозова", критик газеты "С.-Петербургске ведомости" писал, что "Морозова" напоминает то впечатление,которое возбуждают процессии осужденных.







Вот это НЕЧТО

Я вам сейчас покажу нечто
[Spoiler (click to open)] вот эти нечто


.


.


.



фото из интернета




Раскрыть свои таланты


[Spoiler (click to open)] Друзья, кто хочет окунуться в мир творчества?! На Крымском валу во внутреннем дворике Третьяковской галереи пройдет занятие с педагогами одноименного выставочного центра. Вы сможете попробовать написать классический натюрморт " Цветы и плоды"

4 и 5 июля, 15:00–17:00
Третьяковская галерея на Крымском Валу, внутренний двор
Вход абсолютно свободный

Вместе с этим 4 и 5 по экспозиции будут проводиться тематические экскурсии:
http://www.tretyakovgallery.ru/ru/calendar/excursion/excursion5475/
http://www.tretyakovgallery.ru/ru/calendar/excursion/excursion5477/



"Heʼs back" Восстание машин

Ну вот началось
[Spoiler (click to open)]

пока они еще не наделены интеллектом , но уже сейчас показывают свой характер. В каждой железяке есть жизнь
Рабочий завода Volkswagen в Германии погиб после того, как вышедшая из-под контроля роботизированная установка ударила его в грудь и придавила к металлической пластине, сообщает FT.
Обычно роботы на производствах отделены от людей, чтобы предотвратить возможные происшествия.




[Spoiler (click to open)]Как думаете посадят Ходарковского вновь на нары или нет? А может это такой рекламный трюк, чтобы напомнить о себе?






Нужна помощь



[Spoiler (click to open)]Моя новая работа нуждается в вашей помощи-прошу названия.

Серия ТВОРЦЫ. Левитан





[Spoiler (click to open)]Исаак Ильич Левитан родился 18(30) августа 1860 года в небольшой деревне близ станции Кибары. В семье все были потомственными евреями: дедушка, отец. Жили они достаточно бедно. У Исаака так же был брат и две сестры. Не смотря на свое финансовое положение, в семье всегда царил мир и душевная атмосфера, отец сам учил всех детей грамоте. А в 1860 году семья переехала в Москву. Это было тяжелое время для них, денег не было совсем, а отец работал переводчиком, чтобы хоть как-то прокормить семью. Оба брата изначально выбрали стезю искусства: старший брат Авель поступил в 1879 году в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, а Исаак Левитан поступил туда же в 1873 году.

Родители не препятствовали этому выбору, даже не смотря на трудности с деньгами, наоборот, поддержали своих сыновей.

В 1875 году умерает мать Левитана, а спустя два года умерает и отец от тифа. Дети остались одни, можно сказать без средств на существование.
Но Исаак Левитан уже на первых порах обучения проявил свою любовь к природе в рисунках. А.К.Саврасов, будучи уже известным, взял его себе в ученики. Да и в училище старались помогать, кто чем может: кто кисти, кто краски даст, ведь знали, в каком полождении остался Исаак.

Саврасов, безусловно, поддерживал юного художника, он видел в нем большой потенциал. Под его руководством у Левитана появляются его ранние работы "Солнечный день. Весна", "Ветряные мельницы", "Вечер", "Осень. Дорога в деревне". Поскольку Саврасов сам тяготел к природной лирике, он как мог вдохновлял, обучал юного художника.
Появляется очень успешная картина "Осенний день. Сокольники". Это не только вселило уверенность в Исаака Левитана, но и слегка помогла и в финансовом плане. Тем не менее, жить по прежнему было негде, и приходилось ночевать в разных гостиницах.

Чтобы хоть как-то заработать, Левитан рисовал иллюстрации к разным еженедельникам. Затем учителя Саврасова заменил Василий Дмитриевич Поленов, т.к. Саврасов неполадил с начальством преподавательской и, к тому же, заболел. Общение с Поленовым для Левитана тоже сыграло большую роль.
Поленовские пейзажи были в чем-то эталоном для молодого художника, что-то он взял из композиции работ, что-то из манеры цветовой гаммы. Был у Левитана с Поленовым совместный проект над декорациями к Мамонтовской частной опере.

В 1880-х годах Левитан открывается еще больше как художник. Картина "Дуб" - смесь влияния Саврасовской и Поленовской живописи. Левитану удавалось каким-то образом передать еле видимые движения природы, ее эмоциональность и игру света ("Последний снег. Саввинская слобода", "Зимой в лесу", "Весной в лесу").

Такая чуткая манера письма обусловленная и тем, что сам Левитан безумно любил природу, он блогоговел перед ней. Он часто по долгу гулял по лесу, любил рыбалку, охоту, любил русские деревни ("Вечер на пашне").

Следует отметить, что у Левитана уже в период учения начала развиваться невростения. В начале 1880-х годов некоторые его картины отмечены печатью меланхолии и печали, возможно и из-за этого, да и трудные годы детства тоже оставили отпечаток.

Зато работы 1883-1885 годов напротив, очень светлые и жизнерадостные. Это картины "Первая зелень. Май", "Мостик. Саввинская слобода".
В 1884 году Левитан перестал посещать училище, он уже был достаточно устоявшмся худодником, со своим стилем и мирровоззрением. А в 1886 году Левитан стал участвовать в выставках Товарищества передвижников. Кроме того, Левитан был в тесных дужественных связях с А.П.Чеховым. Они даже отдыхали вместе в одной усадьбе в Бабкине. Пребывание в усадьбе было плодотворным в плане творчества у Левитана. Он написал такие работы как "Река Истра", один из шедевров "Березовая роща".

В 1886 году Левитан едет в Крым. Там появляются его знаменитые крымские пейзажи. Причем, писал он не заезжанные туристами места и парадные улицы, а незнакомые, тихие уголки природы благодатного края. В начале 1887 года эти этюды были выставленны на Периодической выставке Московского общества и достаточно быстро раскупились.

Весной 1887 года Левитан едет на Волгу, за новыми впечатлениями. Но поездка эта не доставила ему ожидаемого удовольствия. Волга встретила его пасмурным небом, дождливой погодой. Не найдя там ожидаемого, Левитан уехал обратно в Москву. Тем не менее, были написаны картины "Разлив на Суре" и "Вечер на Волге".

В 1888 году Левитан, Степанов и Кувшинникова отправились по Оке на параходе в тур до Нижнего Новгорода. В этот раз встреча с Волгой оправдала ожидания художника. Это оказался очень плодотворный период в творчестве Левитана ("Осень. Слободка", "Ветхий дворик", "Одуванчики" и т.д.). Из лучших работ того периода Левитана можно выделить "После дождя. Плёс" и "Вечер. Золотой Плёс". Здесь Волга уже не печальная и мрачная, а величественная, дружественная.
В начале 1890 года Левитан отправляется в Западную Европу. Безусловно, это была важная поездка. Во Франции и Италии были написаны ряд пейзажей. "Берег Средиземного моря" можно по праву считать лучшим зарубежным пейзажом в творчестве художника. В Венеции и Альпах были созданы тоже очень красивые пейзажи: "Близ Бордигеры. На севере Италии", "Весна в Италии" и др.

По возвращению на родину была создана картина "Тихая обитель". После того, как она побывала на выставке передвижников, о Левитане заговорили в обществе. И с 1890-х годов начался расцвет творчества Левитана, где о нем уже знало все общество.

Но в 1892 году произошло неприятное событие. Сам художник был не крещенным и, как помним, из еврейской семьи. В то время начали выселять из Москвы лиц еврейской национальности. Левитану пришло письмо с указаниями в течении 24-х часов покинуть город. Ему пришлось жить то в Тверской, то во Владимирской губерниях до того времени, пока друзья не смогли уладить ситуацию, и тогда Левитан смог вернуться в Москву.

В эти года появляются картины с драмматическим оттенком. Это "У омута", "Владимирка", "Над вечным покоем". Последняя была наделена филосовским смыслом. В картине изображение мыса и окружающей природы образно напоминает о равнодушии человека к природе, а так же о чувствах художника в моменты одиночества, тоски.

Но это не значит, что Левитан ушел в депрессию. Он продолжает рисовать и жизнерадостные работы. Картина "Свежий ветер. Волга" является тому примером. Картина "Март" можно сказать, произвела переворот в истории русской живописи. Ведь никто еще так ярко, реалистично не изображал зимный день (а на картине был изображен именно зимний день, не смотря на название).

С середины 1890-х годов Левитан начал писать натюрмотры. Работы были настолько сильными, что их можно сравнить с натюрмортами Эдуарда Мане. Кроме этого, Левитан пишет пастелью. Это яркие, живые пейзажные работы "Луг на опушке леса", "У ручья".

В 1893 году Левитан отдыхает летом в усадьбе Панафидиных в Тверской губернии. Живет он вместе с С.П.Кувшинниковой в с. Островно. 1896 год для Левитана был не только плодотворным в творчестве, но, к сожалению, отягченным состоянием его здоровья. В этом году он вторично перенес тиф, а после этого усилилась болезнь сердца. Она была неизлечима. Было ясно, что жизненный путь художника скоро закончится.

Тем не менее, художник не перестает работать. Причем, мотивы его работ разнообразны. Это и любимые деревенские уголки природы с его оврагами, крыльцами и мысами. Характерными сюжетами этого периода стали сумеречные пейзажи ("Лунная ночь", "Сумерки. Стога", "Восход луны. Деревн"). В некоторых работах позднего Левитана прорывается бурная жажда жизни. Это картина "Бурный день". В работе "Буря. Дождь" видится неизбежность смерти художника, обреченность и тоска. Такие песимистичные и обреченные работы были в единичном числе, Левитан не позволял впускать такие настроения в свое творчество. Он наоборот стал более активно участвовать в общественной творческой жизни, выставлялся в музеях, продолжал состоять в Товариществе передвижников, участвовал и в зарубежных выставках.

Главной из последних картин Левитана стала работа "Озеро. Русь". В этом произведении и любовь к жизни, и яркость и живость природы. В последние годы жизни были написаны еще ряд ярких и сильных работ.

В 1988 году Левитану было присвоено звание академика пейзажной живописи. Он стал преподавать в том же училище, где и сам брал уроки.

В 1899 году Левитана отправили в Ялту, с надеждой хоть как-то улучшить состояние больного. Но эта поездка никак не повлияла на здоровье. После возвращения в Москву Левитан уже не выходил из своего дома.

Ушел из жизни Левитан, полон сил и творческих замыслов, которым, к сожалению, не удалось осуществиться.
Произошло это в 1990 году 22 июля. Похоронили его на старом еврейском кладбище.







Solowheel


/ [Spoiler (click to open)] Вот хочу я такое моноколесо. Как сразу я стану все успевать-сколько времени буду экономить Только совсем не представляю, как можно держать равновесие на нем, да еще влетая в ямки





Москва


.


[Spoiler (click to open)]
Очень люблю рассматривать рекламу в витринах. Вот такая мне попалась в оптике-обычно в таких незатейлево, но эта меня покорила

.


Современное искусство



[Spoiler (click to open)]По моему неплохой кадр получился-жаль только мыльницей снято. Такой сбалансированный. Все лучшие кадры это везучая случайность, плохо , что зеркалку перестала носить с собой. А вы как удачные кадры ловите?



Наши любимые животные


[Spoiler (click to open)].
В Центральном Доме Журналистов с 6 июня по 2 августа проходит необычный фестиваль-фестиваль домашних любимцев.Были отобраны лучшие фотографии с нашими прекрасными, озорными и такими нами любимыми. Каждая фотография это целая история про нашего четвераного друга. Мы с друзьями гуляя по выставки получили заряд энергии не менее чем на неделю.

Так же проводятся мастер-классы, семинары, встречи.

Аналогов данному фестивалю в России и мире не существует.






.


.

.

.


.


.

.





Любимые места


.
[Spoiler (click to open)]У меня в Москве есть несколько любимых мест. Но как только я переехала в Москву я полюбила Арбат. И до сих пор, когда выдается свободное время люблю по нему пройтись. А какие у вас любимые места в вашем городе. Город пишите обязательно, когда попаду в него буду знать , что смотреть

.

.


.

.

.


.








.





Званный ужин


[Spoiler (click to open)]Позвала приятельница к себе в гости. Было нас четверо -одну девушку я даже не знала. А накрыли нам стол на 9метровой кухне-где не проталкнуться, да и скатерть обычная клиенка. Я наверно придирчива, но не понимаю как можно устаивать званный обед на кухне( А как вы принимаете гостей?


где вы угощаете друзей?

на кухне
5(23.8%)
в гостинной
15(71.4%)
в саду
0(0.0%)
нечего ходить по гостям
1(4.8%)


Вы такого еще не видели



[Spoiler (click to open)]Приятельница живет в Германии и она мне часто звонит. Но последнее время приходится разбираться как в азбуке Морзе. А.Э.Ы.. такая стала отвратительная слышимость через мою старенькую трубку. Последний раз даже шлепнула по нему-уж больно тема была интересная, а он стал испытывать меня на "знание азбуки"( Вот и не выдержали мои нервы, а у кого выдержат?! Пошла я в магазим глаза разбежались-какое изобилие телефонов, но этот меня покорил своей изысканой элегантностью!



Ключевые характеристики Philips Luceo M6601BB:

Контрастный дисплей «белое на черном»
1,8 – дюймовый дисплей на трубке
Дополнительный дисплей на базе телефона
Функция громкой связи
Телефонная книга на 100 контактов
3 поля для присвоения 3 номеров одному контакту
Дополнительные настройки: черный список, бесшумный режим, запрет исходящих вызовов
Режимы Eco и Eco+


Держать его в руках одно удовольствие-изогнутая трубка удобно лежит в ладони. Замечательный , стильный дисплей покажет вам имя вызывающего абонента.
Самое главное, что высокое качество звука во время разговора, как будто твой собеседник не за 1000 км, а в соседней комнате-все это помогает решить технология HQ-Sound.
Естественно пресутствует моя любимая функция громкая свяязь-люблю конечно поболтать не отходя от "дела"( убирая, купаясь или рисуя)

Все домашние телефоны Philips, Philips Luceo M6601BB отличается высокой энергоэффективностью, что снижает негативное воздействие на окружающую среду.Ну а самое главное( во всяком случае для меня) он имеет режим ECO, при котором уровень излучения уменьшается на 60%, а в режиме зарядки – на 95%. В режиме ECO+ уровень излучения вообще снижается до нуля.



Каблуки или кроссовки



[Spoiler (click to open)] Мужчины честно сознайтесь, на какую девушку вы скорее обратите внимание-в кроссовках или на каблуках

каблуки или крассовки

каблуки
10(47.6%)
кроссовки
5(23.8%)
главное душа
6(28.6%)



Выпускной 2015

По всей
[Spoiler (click to open)]

стране прокатились выпускные . И мне вспомнился мой. Да, и мы тогда долго готовились-платье шили мне на заказ и басоножки тоже. Платье было белое из ситца и с желтой тесьмой отделано и желтые басоножки. Мне ужасно нравилось. Когда я в этом наряде ехала в школу мне по дороге молодой незнакомый парень подарил розу-приятно конечно. А влюблена я была в самого разбитного хулигана из параллельного класса( как он танцевал, а сколько о нем ходило слухов)). Но он о существование серой влюбленной мышки даже не представлял. И вдруг в разгар вечера он подходит ко мне и приглашает на танец(я чуть чувств не лишилась). Вот она сила флюид.. А остальное в следующий раз

Помощь зала



[Spoiler (click to open)] Решила я разобраться в калошнице. И ужаснулась-вот и вам показываю, все специально свалила в кучу. Сколько у меня весенне-летней обуви?! Но хожу постоянно в чем то одном. И зачем мне столько, а кто нибудь сталкивается с такой проблемой? Долго сидела в размышлении выкинуть или оставить--решила оставить, а вдруг пригодятся, но одела опять любимые.


ДОМЖУР

В ДОМЖУРе[Spoiler (click to open)] открылась выставка под моим кураторством "ГОРОД". Собрали замечательные акварилисты, графики и фотографы. Среди авторов Чекмарев Д, Старченко М, Пехтерева Е, Малюсова Т, Глухова Е,Столяров В. Рекомендую заглянуть-кстати там и кафе приличное!Выставка продлится до 30 июня

.


.


.

.

.



Latest Month

August 2015
S M T W T F S
      1
2345678
9101112131415
16171819202122
23242526272829
3031     

Tags

Page Summary

Syndicate

RSS Atom
Powered by LiveJournal.com
Designed by Lilia Ahner